WARSZTATY DLA ŚREDNIO ZAAWANSOWANYCH I ZAAWANSOWANYCH

WARSZTATY DLA ŚREDNIO ZAAWANSOWANYCH I ZAAWANSOWANYCH

Po raz pierwszy na naszym festiwalu aż tyle form, aż tylu nauczycieli z aż tylu krajów! Przed nami – prawdziwe BODY TRANSFORMATION!

Zapraszamy wszystkich tancerzy na poziomie średnio zaawansowanym i zaawansowanym w technice tańca współczesnego na warsztaty taneczne w ramach BalletOFFFestival. Warsztaty poprowadzi dziewiątka wspaniałych nauczycieli: Israel Aloni, Gwyn Emberton, Brian Michales, Lee Brummer, Mui Cheuk Yin, Imre Vass, Joseph Lee, Weronika Pelczynska oraz Eddie Ladd.

 

22-25 listopada 2018 (czwartek-niedziela)

Grafik 22-23 listopada

9:15-11:15 Israel Aloni
11:30-13:30 Gwyn Emberton
15:00-17:00 Brian Michaels

Grafik 24 listopada

9:15-11:15 Lee Brummer
11:30-13:30 Mui Cheuk Yin
15:00-17:00 Imre Vass

Grafik 25 listopada

9:15-11:15 Joseph Lee
11:30-13:30 Weronika Pelczyńska
15:00-17:00 Eddie Ladd

 

CENA PROMOCYJNA
do 16 października

cena za dwa dni (czwartek-piątek lub sobota-niedziela): 220 zł
cena za 4 dni: 350 zł

 

CENA REGULARNA
po 16 października

cena za dwa dni (czwartek-piątek lub sobota-niedziela): 290 zł
cena za 4 dni: 450 zł

 

KARTA ZGŁOSZENIA
REGULAMIN

Kontakt: kcc@nck.krakow.pl

fot. Katarzyna Machniewicz

 

 

ISRAEL ALONI

Aloni jest twórcą, performerem, mentorem i menadżerem, którego interesuje społeczno-polityczny kontekst sztuki i jej powstawania. Jest m.in. dyrektorem artystycznym ilDance, niezależnej międzynarodowej grupy działającej w Göteborgu w Szwecji, którą założył wspólnie z Lee Brummer w 2012 roku. Był on również dyrektorem innych instytucji artystycznych i kulturalnych, m.in. Tr.IPP w szkole Transit Dance w Melbourne.

Aloni wśród swoich doświadczeń jako profesjonalnego tancerza wymienia m.in. procesy twórcze i udział w pracach choreografów takich jak choćby Sasha Waltz, Club Guy & Roni, Sharon Eyal, Wim Vandekeybus, Mats Ek czy Marco Goecke.

Poza praktyką artystyczną i podejmowaniem wielu inicjatyw jako menadżer, Aloni stale rozwija metodę ruchu inspirowaną jego fascynacją nieskończoną kreatywnością umysłu oraz dążeniem do fizycznego odzwierciedlenia i wyrażenia złożoności ludzkiej wyobraźni i fantazji. Aloni podchodzi do ciała z ogromnym uwielbieniem i dużymi wymaganiami, pozostając jednocześnie z dala od ograniczeń i napięcia, czemu towarzyszą dogłębne badania. Jego metoda nosi nazwę The I.Aloni Experience i uosabia rozległe doświadczenie artysty w zakresie tańca współczesnego oraz jego fascynację innymi dziedzinami wiedzy, takimi jak biologia, fizyka, antropologia, socjologia czy psychologia.

 

OPIS WARSZTATÓW 

Warsztaty będą wprowadzeniem do praktyki ruchowej Aloniego, która wykorzystuje ogromny potencjał umysłu w zakresie tworzenia i odkrywania w stanie snu bądź na granicy pomiędzy rzeczywistością, a światem fantazji. Praktyka ta wykorzystuje podążanie za kreatywnością umysłu, aby poczuć się wyzwolonym w swoim w ciele, jednocześnie szanując i honorując swoje fizyczne ja. Sensoryczne i dotykowe atrybuty podejścia ruchowego Aloniego przekładają się na poczucie zadowolenia i satysfakcji u osoby tańczącej.

Warsztaty dadzą uczestnikom możliwość odkrycia alternatywnych sposobów podejścia do ciała i zminimalizowania poziomu wysiłku i napięcia poprzez podążanie za wielowymiarowością kreatywnego umysłu.

Aloni rozwija własne podejście do ruchu poprzez ciągłe badania prowadzone pod hasłem The I.Aloni Experience.

Link: www.ildance.se

 

 

GWYN EMBERTON

 

Gwyn Emberton jest pochodzącym z Walii tancerzem i choreografem oraz dyrektorem artystycznym Gwyn Emberton Dance, jednej z wiodących walijskich grup teatru tańca. Twórczość Gwyna prezentowana była w całej Wielkiej Brytanii, Europie i na Bliskim Wschodzie i kilkukrotnie nagradzana. Artysta zdobył m.in. Wales Theatre Award za swój „Triptych”.

Gwyn jest także jednym z trzech członków wielokrotnie nagradzanego kolektywu Light, Ladd & Emberton. Wraz z Eddie Ladd był współreżyserem i jednym z wykonawców w Owain Glyndwr Silent Disco oraz wysoko ocenianym spektaklu Caitlin.

Jako tancerz Gwyn występował z wieloma czołowymi brytyjskimi choreografami i grupami, takimi jak Akram Khan, Matthew Bourne, Jasmin Vardimon czy Scottish Dance Theatre. Pracował również z Inbal Pinto w Izraelu.

www.gwynembertondance.com

 

OPIS WARSZTATÓW

Zajęcia z Gwynem są wymagające technicznie, oparte na pracy z podłogą (floor work), nielogicznych kombinacjach i kierowanej improwizacji. Materiał ruchowy bazować będzie na wyjątkowym stylu poruszania się Gwyna, który powstał z połączenia fizycznych i performatywnych wpływów choreografów, z którymi pracował oraz jego własnych jakości, skupiających się na płynnych siłach krążących wokół ciała.

Podczas warsztatów tancerze odkryją stosowaną przez Gwyna metodę przekazywania doświadczalnej wiedzy zdobywanej poprzez eksplorowanie mechanizmów improwizacji, które pomagają rozwijać nowe umiejętności i sposoby podejścia do wykonywania układów choreograficznych oraz zorganizowanych/formalnych schematów ruchowych. Będzie się to odbywać poprzez wykorzystanie obrazowej metaforyki oraz odkrywanie fizycznych i emocjonalnych doznań kierujących jakością tańczącego ciała. Podczas zajęć tancerze będą również badać w jaki sposób ruch może oddziaływać i wpływać na obecność performera.

Warsztaty skierowane są do tancerzy chcących poszerzyć i rozwinąć umiejętności w zakresie ruchu i teatru fizycznego.

 

 

BRIAN MICHAELS

Brian Michaels to brytyjski reżyser teatralny i operowy. Dorastał w londyńskiej dzielnicy Kingsbury, lecz od 1973 roku mieszka i pracuje w Niemczech. Brian Michaels wyreżyserował dotychczas ponad 40 oper, zarówno w kraju, jak i za granicą, przeznaczonych na festiwale i dla oper – m.in. w Bazylei, Norymberdze (wraz z Christianem Thielemannem), Essen, Eisenach, Ulm, Darmstadt, Amsterdamie czy Los Angeles.

Brian Michaels reżyserował spektakle dla teatrów w Essen, Bazylei, Monachium, Hamburgu (wraz z Giorą Feidmanem), Wuppertalu, Dusseldorfie, Halle, Kiel, Tel Awiwie, Ramallah, Timișoarze (Rumunia), Nowym Jorku i Los Angeles. Jego dzieła wystawiane są regularnie zarówno na krajowych, jak i międzynarodowych festiwalach, w tym Ruhrfestspiele Recklinghausen, Il Cantiere di Montepulciano (Włochy), Steirischer Herbst Festival Graz (Austria) czy międzynarodowym Shakespeare-Festival Neuss (Niemcy).

Do jego ostatnich dzieł należy produkcja „Lizystraty” Arystofanesa do programu Europejskiej Stolicy Kultury 2017, Pafos. Spektakl został wystawiony w wyjątkowym miejscu, pośród ruin starożytnego miasta Pafos.

Sztuki Williama Szekspira od niemal dwóch dekad stanowią centralny punkt twórczości artystycznej Briana Michaelsa. Pierwszą z 25 produkcji jego autorstwa był „Makbet”, wystawiony podczas festiwalu Cantiere di Montepulciano w 1989 roku, a najnowszą „Poskromienie złośnicy” zaprezentowane w Bytomiu w 2017 roku. Wśród stworzonych przez Briana Michaelsa dzieł teatralnych i performance’ów na szczególne zainteresowanie zasługuje „Osiris – Talking to the Dead” (PL: „Ozyrys – rozmawiając ze zmarłymi”). Ten starożytny egipski tekst ma 3500 lat.  Projekt był rezultatem bliskiej współpracy z międzynarodowej sławy egiptologiem Janem Assmanem, który przetłumaczył teksty (Insel, 2008). Dzieło zostało zaprezentowane podczas Biennale w Monachium (2008), a w ostatecznej formie w Essen Zollverein (2009). W sztuce „Mixed Feelings” (PL: „Mieszane uczucia”) (2015) centralnym punktem jest fikcyjny dialog pomiędzy palestyńską aktorką, Nisreen Faour, a europejskim reżyserem żydowskiego pochodzenia. Michaels jest zarówno autorem sztuki, jak i jednym z występujących w niej aktorów. Spektakl wystawiany był w ciągu ostatnich dwóch lat w wielu niemieckich miastach.

W latach 1994-2013 Brian Michaels był nauczycielem aktorstwa i reżyserii na Folkwang Universität der Künste w Essen. Był inicjatorem licznych międzynarodowych projektów współpracy, m.in. z Akademią Teatralną w Szanghaju, Crowne Troupe of Africa w Lagos w Nigerii, SP Escola de Teatro w brazylijskim Sao Paulo oraz Wydziałem Teatru Tańca w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. Stanisława Wyspiańskiego w Krakowie.

Od końca 2013 roku gościnnie wykłada aktorstwo i reżyserię na Wydziale Teatru Tańca w Bytomiu Akademii Sztuk Teatralnych im. Stanisława Wyspiańskiego w Krakowie. Odnalazł tu możliwość rozwijania własnego, opartego na ciele podejścia do aktorstwa – „Thinking with the body”, czyli „Myślenie ciałem”, które pierwotnie stworzył wspólnie z tancerka Nadią Kevan.

 

OPIS WARSZTATÓW

Myślenie ciałem

Odkrywanie świadomości i inteligencji ciała

Celem warsztatów jest zrozumienie i wykorzystanie potencjału doświadczeń niewerbalnych. W podejściu do teatru i postaci zwykle przyznajemy pierwszeństwo rozważaniom intelektualnym, ignorując niewerbalny wymiar doświadczenia. Faktem jest jednak, że „Uczymy się kumulatywnie, poruszając się po świecie w swoich ciałach… Umysł rozwija się poprzez doświadczenia ciała w świecie”. (Paul Stoller)

Warsztaty oparte będą na trzech formach łączności – połączeniu z ziemią poprzez idącego mężczyznę/idącą kobietę; połączeniu z ciałem i jego wewnętrznym potencjałem; oraz połączeniu z przestrzenią i innymi osobami w przestrzeni. Wejście w kontakt z niewerbalnymi realiami istnienia pozwala zrozumieć postać i treść w nowy sposób – od wewnątrz na zewnątrz i wyzwala z zależności od procesów psychologicznych oraz intelektualnych.

Świadomość tego, czym są nasze ciała w świecie jest tutaj niezbędna. Każdy uczestnik powinien wybrać postać, którą chce odkrywać – z powieści, sztuki lub innego dzieła literackiego. Celem jest dojście do bardzo osobistej i szczegółowej idei postaci, wywodzącej się z doświadczenia i inteligencji ciała. Pod koniec warsztatów nastąpi krótka prezentacja (5 minut).

Zajęcia są wymagające fizycznie, na co warto się przygotować.

 

 

LEE BRUMMER

Lee Brummer to niezależna choreografka, międzynarodowy wykładowca akademicki goszczący na różnych uczelniach i instruktorka, a także współzałożycielka i wicedyrektor działającej w Göteborgu grupy tanecznej, ilDance. (www.ildance.se)

Jako performerka tańczyła w zespole Bat Dor Dance Company (Izrael), The Emanuel Gat Dance Company (Izrael) oraz z różnymi niezależnymi choreografami z całej Europy. Pracowała jako asystentka choreografa przy szeregu rozmaitych produkcji tanecznych i musicali, zarówno w Szwecji, jak i poza nią.

Brummer ukończyła studia licencjackie na kierunku taniec i pedagogika na Jerusalem Academy of Music and Dance (Jerozolimskiej Akademii Muzyki i Tańca), a będąc już tancerką i choreografką studiowała jeszcze psychologię, teatr i pilates.

Na przestrzeni lat Brummer nauczała i współpracowała z grupami takimi jak choćby: DV8, Australian Dance Theatre, Sydney Dance Company, National Dance Company Wales czy Norrdans. Dodatkowo gościnnie prowadziła otwarte kursy specjalistyczne i wykładała na uniwersytetach i w szkołach na całym świecie oraz pracowała jako mentor dla młodych i wschodzących artystów.

Brummer od 2010 roku zajmuje się także choreografią.

Obecnie jej nauczanie obejmuje anatomiczną i fizyczną eksplorację poświęconą odkrywaniu własnej indywidualności, oryginalności i możliwości swojego ciała. W jej choreografiach tekst i słowo mówione stają się niezwykle ważne, zarówno w procesie powstawania, jak i w ostatecznej wersji dzieła na scenie.

Brummer pracowała ponadto jako producent, kierownik projektu i koordynator różnych projektów i wydarzeń artystycznych w Szwecji i w wielu innych krajach świata.

 

OPIS WARSZTATÓW

Celem warsztatów Lee jest rozwój świadomości zarówno własnego ciała, jak i nieskończonych możliwości fizycznych każdej osoby, przy jednoczesnym nawiązywaniu połączeń z różnymi źródłami inspiracji i wykorzystywaniu różnych poziomów wyrafinowania i zaawansowania.

Rozgrzejemy się, zaczynając od wyczucia ciała poprzez przenoszenie ciężaru ciała i nawiązywanie do ruchu szkieletu oraz różnych warstw ciała w sekwencjach ruchowych. W czasie warsztatów poruszymy kwestie improwizacji, pracy zadaniowej i  wykorzystania gotowego materiału odkrywając  techniki używania naszych indywidualnych możliwości oraz wyrażania się w bezpośredni, fizyczny sposób.

 

 

EDDIE LADD

Eddie jest twórczynią i performerką. Jej praca obejmuje taniec, dwujęzyczne (walijski/angielski) teksty, muzykę i nowe media, w części przypadków wykorzystujące specyfikę otoczenia. Urodziła się i wychowała w Walii, ukończyła Uniwersytet Aberystwyth i współpracowała z wieloma walijskimi zespołami, m.in. Moving Being i Brith Gof. W 1993 roku zaczęła tworzyć własne dzieła, które prezentowane były na różnych platformach, w tym Spring Loaded czy British Dance Edition, a pod egidą British Council – w całej Europie, Kanadzie i Stanach Zjednoczonych. W 2003 roku otrzymała stypendium NESTA, które zapoczątkowało okres dzieł opracowanych pod kątem Internetu – do tej dziedziny chciałaby jeszcze powrócić w najbliższej przyszłości. Wraz z kolegami po fachu założyła Light, Ladd & Emberton, zespół tworzący performance, który od 2014 roku (nieoczekiwanie!) przygotował i w ramach trasy zaprezentował trzy duże produkcje.

 

OPIS WARSZTATÓW:

Psychogeograficzne warsztaty fizyczne.

Psychogeografia to sposób opisywania otoczenia pod kątem jego znaczenia dla nas. Może poruszać szeroki zakres kwestii i przestrzeni politycznych, religijnych, zawodowych, społecznych oraz prywatnych.

Warsztaty odbywać się będą zarówno na sali ćwiczeń, jak i na zewnątrz, a uczestnicy stworzą i przemierzą opracowaną choreograficznie drogę. Będzie ona zróżnicowana i może obejmować sekwencje taneczne, ruch funkcjonalny i odnaleziony, produkcję dźwięku, tekst i rysunek. Należy przyjść z ulubioną muzyką i pomysłem na jej odtworzenie (weź ze sobą swoją ulubioną muzykę i pomysł na jej wykorzystanie).

 

 

IMRE VASS

Imre Vass jest działającym w Budapeszcie performerem i choreografem. Pracował z węgierskimi zespołami, takimi jak HODWORKS, The Symptoms, Artus, STEREO Akt, Márta Ladjánszki czy Theatre JEL, a poza Węgrami Ultima Vez [BE], United Sorry [A\NL], Rapid Eye [DK] i Ingri Fiksdal [NO].

Był beneficjentem organizacji danceWEB [2010] i uczestniczył w projekcie SPAZIO – europejskiej sieci twórców tańca [2012-2013].

Od 2010 roku tworzy własne dzieła. Centrum jego zainteresowań stanowi dialog pomiędzy ciałem a umysłem oraz współzależność między performerem, performance’em i widownią.

 

OPIS WARSZTATÓW:

czekając na taniec

Taniec to istota sama w sobie. Taniec jest kapryśny i nieprzewidywalny, można wręcz powiedzieć, że jest sukinsynem. Lecz kiedy tylko się pojawia, nie możemy od niego oderwać oczu i tak bardzo pragniemy jego obecności.

Podczas warsztatów zaprosimy taniec i zrobimy wszystko, aby zachęcić go do pojawienia się. Wykorzystamy improwizację i znane ćwiczenia, aby wypędzić z naszych ciał i umysłów demona sztywności. Przygotujemy nasze kanały energetyczne do tańca, aby mógł swobodnie przez nie przepływać. Wiemy, że nawet jeśli zrobimy wszystko, co w naszej mocy, nie ma gwarancji, że taniec zaszczyci nas wizytą. Jednak bez względu na to, czy tak się stanie, czy nie, będziemy wdzięczni za samo jego istnienie.

 

 

WERONIKA PELCZYŃSKA

Z zawodu tancerka i choreograf. Absolwentka Eksperymentalnej Akademii Tańca Współczesnego SEAD w Austrii, występująca tam z Bodhi Project, oraz Wydziału Inżynierii Produkcji Politechniki Warszawskiej (inżynier) i Instytutu Kultury Polskiej Uniwersytetu Warszawskiego (magister). Stypendystka – DanceWEB 2013 (ImPulsTanz Festival, Wiedeń, mentor: Ivo Dimchev); Carte Blanche 2013 Modul Dance (rezydencja w Słowenii) i Alternatywnej Akademii Tańca 2017 w Poznaniu (warsztaty z Frederikiem Giesem i Jeanine Durning). Doświadczenie sceniczne zdobywała pracując w miejscach takich jak: Teatr Tańca Mufmi; Teatr Studio Buffo; w ramach programu „Stary Browar Nowy Taniec” w Poznaniu, a także uczestnicząc w projektach artystów takich jak: Matej Kejzar, Ori Flomin, Jeremy Nelson, Rob Haden, Stephanie Thiersch, Johannes Wieland, Davis Freeman, Rafaele Giovanola, Maria Stokłosa, Jozef Frucek, Małgosia Haduch czy Anna Nowicka. Dzięki temu miała możliwość występowania w Austrii, Niemczech, we Włoszech, w Chorwacji, Francji i Polsce.

Jest również autorką spektakli („Yvonne, Yvonne”; „Europa.Śledztwo”; „Polowanie”), które prezentowane były głównie w Polsce, ale także w Niemczech, Hiszpanii i Czechach. Od 2010 roku pracuje ponadto jako autorka ruchu scenicznego i choreografii dla aktorów. Uczestniczyła dotychczas w produkcji około 35 tytułów (teatr i film), współpracując z artystami takimi jak Agnieszka Glińska, Robert Jarosz, Anna Seniuk, Barbara Sass-Zdort, Zuzanna Solakiewicz, Michał Marczak, Krzysztof Skonieczny czy Agnieszka Holland. Lubi pracować na pograniczu różnych dziedzin sztuki. Jest członkinią Centrum w Ruchu, przestrzeni poświęconej sztukom scenicznym w Warszawie.

 

OPIS WARSZTATÓW:

Choreografia to narzędzie służące byciu „tu i teraz” oraz „rama” eksponująca coś, czego nie sposób określić językiem. Choreografia to nie tylko proces uczenia się pozycji ciała czy kroków tanecznych. Choreografia potrafi stworzyć określony stan umysłu, pozwalający performerom i tancerzom zachować obecność i samoświadomość.

Podczas warsztatów skupimy się na identyfikacji i nazywaniu nowych strategii, które staną się odpowiedzią na wyznaczane zadania. Uczestnicy będą eksplorować swoją kreatywność, wykonując wybrane ćwiczenia ruchowe. Później zostaną poproszeni o przekształcenie zdobytych w ten sposób doświadczeń fizycznych w słowa w formie mówionej i pisanej. Spojrzymy na choreografię jako na sposób odkrywania indywidualnego, społecznego i kulturowego rozumienia ciała. Centralnym punktem warsztatów będzie idea transformacji ciała oraz pamięci.

 

 

MUI CHEUK YIN

Mui zdobyła wykształcenie z zakresu chińskiego tańca klasycznego i etnicznego w Hongkongu. W latach 1981-1990 była pierwszą tancerką Hong Kong Dance Company. W 1985 roku wygrała konkurs dla młodych choreografów, Hong Kong Young Choreographer Competition, i otrzymała stypendium, dzięki któremu mogła studiować taniec nowoczesny (modern) w Nowym Jorku. Po powrocie do Hongkongu stworzyła własne dzieła: „Awakenings in a Dream”, „Cursive Script” oraz „Diary Series”.

Mui została niezależną choreografką / tancerką / instruktorką w latach 90. XX w. Pod patronatem Asian Cultural Council wzięła udział w międzynarodowym programie dla choreografów, International Choreographer’s Programme podczas American Dance Festival i występowała w East & West Center na Uniwersytecie Hawajskim. Mui często tworzyła dla City Contemporary Dance Company, Hong Kong Dance Company i Hong Kong Academy for Performing Arts. Do jej najważniejszych dzieł należą: „Fragrant Garden”, „Water Music”, „E-motion”, „As Quick as Silver”, „Stories about Certain Women”, „Eulogy”, „la grace”, „Between Bow and String”, „Of Grandeur and Desolation”, „Kinetic Body Operatics”, „Pink Lily”, „October Red”, „Duet 3X”, „The Enigma of Desire – Dali vs Gala”, „Lot ̇us”, „Shui in Feng ̇Shui”, „Desperately Seeking Miss Blossom”, „Season N” w „Seasonal Syndromes”, „Love Accidentally” oraz „The Tales of Miles” w „Triptych”.

Mui jest światowej sławy solistką. Zapraszana jest na liczne międzynarodowe festiwale sztuki, m.in. Hong Kong Arts Festival (1994, 2001), Belgium International Arts Festival (1994), Lisbon Culturgest (1995), Re:Orient Dance Festival w Londynie (1995), Hong Kong Festival w berlińskim Domu Sztuki Tacheles (1996), la Biennale du danse de Val-de- Marne (1997), Ein Fest w Wuppertalu (1998), Venice Biennial Dance Festival (1999), Dancing-World Festival w Kopenhadze (2000), Lyon Biennale de la Danse (2000), Beijing Modern Dance Festival w Pekinie (2001), Dance Biennale Tokyo (2002), festiwal Images of Asia w Kopenhadze (2003), czy 25. i 35. rocznicę istnienia Pina Bausch Tanztheater w Wuppertalu (1998, 2008). W 2000 roku Mui została zaproszona przez Pinę Bausch i Folkwang Tanzstudio do stworzenia choreografii do spektaklu „Whispering Colour” oraz do gościnnego występu jako tancerka w „The Rite of Spring” z Tanztheater Wuppertal.

Mui zdobyła tytuł „Dance Ambassador” (PL: Ambasador Tańca) (2000) i była czterokrotnie nagradzana Hong Kong Dance Awards za choreografię przez Hong Kong Dance Alliance. Stowarzyszenie Wai Yin Association przyznało jej tytuł „Outstanding Woman” (PL: Wybitna Kobieta) (2001). Jessica Magazine ogłosił ją jedną z Kobiet Sukcesu 2005, a w 2007 roku otrzymała odznaczenie dyrektora naczelnego, Chief Executive’s Commendation, za pracę na rzecz społeczeństwa.

Obecnie pracuje jako choreograf dla City Contemporary Dance Company w Hongkongu.

 

OPIS WARSZTATÓW:

Zajęcia oparte na improwizacji, wraz z rozgrzewką oraz połączeniem chińskich technik tańca z technikami tańca nowoczesnego (modern). Klasyczny chiński taniec jest zakorzeniony w 5000 lat chińskiej cywilizacji. Koncentruje się na oddechu, pracy ze świadomością, podkreśla ruchy okrągłe, ciągłe, twisty, łuki, pochylenia.

 

 

JOSEPH LEE

Joseph Lee urodził się w Hongkongu. Naukę tańca rozpoczął w wieku 17 lat. Po ukończeniu studiów licencjackich na kierunku księgowość na Chinese University of Hong Kong (Uniwersytecie Chińskim w Hongkongu) postanowił kontynuować naukę tańca w The Place w London Contemporary Dance School w Wielkiej Brytanii, gdzie w 2015 roku uzyskał tytuł magistra (taniec współczesny). W swoich choreografiach i pracy tancerza Lee dąży do poszerzania wyobraźni w tańcu poprzez rozległą „współpracę” (kooperację) z różnymi formami sztuki.

Po powrocie na początku 2015 roku Lee dołączył do zespołu Unlock Dancing Plaza jako uczeń, a później został tam artystą-rezydentem. Współpracował z Crystal Pite, Maresą Von Stockert, Emmanuelle Vo-dinh i Chou Shui-yi.

Swoje najnowsze choreografie stworzył do It tastes like you (2016), Folding Echoes (2016), The World Was Once Flat (2018).

Lee otrzymał nagrodę dla młodych artystów, Arts Development Award for Young Artist, przyznawaną przez Arts Development Council w Hongkongu oraz nagrodę Chin Lin Foundation of Emerging Choreographer dla wschodzących choreografów w Seulu. Pierwszy film taneczny w jego reżyserii, It tastes like you, został wyróżniony podczas Jumping Frame International Dance Video Festival (otrzymał Nagrodę Publiczności), South Taiwan Film Festival, Festival of Recorded Movement w Kanadzie, Perth Dance Festival – Screendance Award w Szkocji oraz Cine-Corps w Paryżu.

W 2017 roku, wspólnie z niezależną artystką, tancerką KT Yau stworzył pierwszy finansowany w formie crowdfundingu projekt taneczny, re:do/ Joseph Lee/ KT Yau, oraz ponownie wystawił swoje solowe dzieło Folding Echoes, z którym został zaproszony na International Performance Festival w Moguncji w Niemczech, na Beijing Dance Festival w Pekinie, City Contemporary Dance Festival, Guangdong Dance Festival i Hong Kong Dance Exchange, Fukuoka Dance Fringe Festival oraz Edinburgh Festival Fringe.

 

OPIS WARSZTATÓW:

Warsztaty Josepha zapewnią otwarte i pełne akceptacji otoczenie dla uczestników chcących poszerzyć swój język ruchowy poprzez wykorzystanie rozmaitych narzędzi do improwizacji. Rozpoczną się od delikatnej rozgrzewki, aby zwiększyć ruchomość pod kątem bardziej fizycznych zadań. Następnie wprowadzony zostanie dotyk jako główne narzędzie służące do odkrywania przestrzeni w ciele. Poprzez położenie większego nacisku na ciała i ruch innych osób uczestnicy zostaną zachęceni do refleksji nad sobą i własnymi schematami ruchowymi. Poprzez dotyk, obserwację, bycie dotykanymi przez innych i zrozumienie logiki innego poruszającego się ciała uczestnicy będą mogli aktywnie budować własne zasoby alternatyw, które zapewnią im później wolność i mnogość opcji podczas improwizacji.